Dalla lezione di Luca Meda alla direzione artistica di Arflex Japan, il designer milanese racconta a Veloria una pratica in cui storia e contemporaneità, cultura materiale e ospitalità costruiscono spazi capaci di durare nella memoria.

I progetti di Nicola Gallizia si distinguono per l’equilibrio con cui spazio, materia ed esperienza umana entrano in dialogo. La sua firma nasce dall’ascolto dei luoghi, delle memorie che custodiscono e delle persone destinate ad abitarli. Negli interni, negli oggetti e nelle direzioni artistiche, la sua identità progettuale si rivela in una misura precisa: accordare luce, proporzioni, materia e storia, facendo dell’eleganza una qualità intima dell’abitare.

Nato e formato a Milano, Gallizia ha appreso accanto a Luca Meda una concezione ampia del mestiere, nella quale cultura, etica e lavoro partecipano alla stessa responsabilità. La lunga collaborazione con Molteni&C e Dada gli ha permesso di attraversare product design, interior, architettura, art direction e ospitalità con uno sguardo coerente, aperto alle diverse scale dell’abitare.

In questa conversazione con Veloria, il designer ripercorre la propria educazione e le esperienze sviluppate tra Italia, Asia e Caraibi. Dai suoi racconti affiora una contemporaneità consapevole della storia: avanzare significa riconoscere ciò che merita di essere portato con sé e tradurlo per il tempo presente.

L’eredità di Luca Meda e la responsabilità del progetto

La sua idea di design nasce da Milano e da una formazione maturata accanto a Luca Meda, nel lungo dialogo con Molteni&C e Dada. Quale lezione di quella stagione orienta ancora il suo modo di progettare e quale, invece, ha sentito il bisogno di trasformare per costruire un linguaggio personale?

“Luca Meda è stato un grande Maestro per me. Amava raccontare e considerava Vita, Lavoro, Cultura, Politica ed Etica ambiti profondamente connessi. Con lo stesso entusiasmo mi insegnava a riconoscere un bel dettaglio costruttivo e a preparare un perfetto risotto alla milanese. Da lui ho imparato a pensare e poi a praticare; grazie a lui, giovanissimo, ho iniziato la mia collaborazione con Molteni. Il suo insegnamento più importante è stato comprendere che la contemporaneità nasce dalla conoscenza della storia: occorre osservare con curiosità, rielaborare ciò che si è appreso attraverso la propria visione, conservare un po’ d’ironia e sentire la responsabilità di fare bene il proprio lavoro ”

Dall’ascolto alla forma

Il suo lavoro attraversa product design, interior, architettura e art direction. Quando affronta un nuovo incarico, da dove prende avvio il progetto: dall’identità complessiva che desidera costruire oppure da un dettaglio capace di anticipare l’intero racconto?

“Ogni nuovo progetto è per me una nuova opportunità, una sfida, una piccola avventura. Non parte mai da una regola fissa. A volte nasce da un’identità complessiva, altre volte da un dettaglio minimo capace di aprire un intero scenario. Mi piace aprire porte su mondi che non conosco. Trovo spesso ispirazione in ciò che è diverso da me, in ciò che mi sorprende e mi costringe a rimettere in discussione il mio sguardo. Le ispirazioni più suggestive sono arrivate spesso attraverso percorsi non lineari, a volte persino accidentati. Il progetto, per me, nasce proprio lì: nel momento in cui l’ascolto diventa interpretazione, e l’interpretazione comincia a trovare una forma.”

Luce, colore e materia: la misura dell’atmosfera

Luce, colore e materia definiscono la qualità percettiva dei suoi interni. Sul rapporto tra illuminazione e benessere, Veloria ha pubblicato anche Light design: come la luce trasforma la casa e il nostro modo di sentirci.

Nel suo linguaggio, geometrie essenziali, materiali tattili e palette misurate convivono con accenti cromatici molto precisi. Come individua il punto in cui l’equilibrio deve aprirsi a una variazione di luce, colore o materia capace di dare carattere allo spazio senza interromperne l’armonia?

“Il mio linguaggio ha un lessico, alcune regole grammaticali di base, un ritmo. Mi interessa molto la sintesi. Amo la poesia ermetica, la forza di poche parole esatte. La luce va ascoltata, perché detta le regole di ogni progetto. Disegna le forme, sia per addizione sia per sottrazione. Il mondo orientale mi ha insegnato l’importanza dell’ombra, della pausa, di ciò che non viene immediatamente dichiarato. Il colore, invece, è carattere, personalità. Penso debba essere usato come accento, con precisione, ma anche con una certa leggerezza. L’equilibrio non deve diventare rigidità. A volte basta una variazione minima di luce, materia o colore per dare profondità a uno spazio senza interromperne l’armonia.”

L’ospitalità come memoria dell’esperienza

Che cosa distingue un hotel semplicemente bello da un luogo capace di entrare nella memoria dell’ospite?

“Cerco sempre di immedesimarmi in chi abiterà gli spazi che progetto, soprattutto nell’ospitalità, dove ogni ambiente deve accogliere ed essere naturale da vivere. Un hotel deve generare emozione, appartenenza e memoria, offrendo una sorpresa elegante che duri nel tempo. Il bello autentico nasce dalla relazione con il luogo: la città, il paesaggio, la cultura, i gesti quotidiani e il modo in cui la luce entra in una stanza.”

Milano incontra il mondo

Nei progetti sviluppati tra Milano, Tokyo, Fukuoka, Seoul e i Caraibi, la sua identità progettuale incontra culture e rituali dell’abitare differenti. Come riesce a far viaggiare la sensibilità milanese senza imporla, lasciando che sia il luogo a modificare il progetto e, in parte, anche il suo sguardo?

“Porto con me una visione profondamente italiana e milanese, che uso come lente per interpretare culture dell’abitare diverse. Ogni luogo ha i suoi rituali, proporzioni, silenzi e abitudini. Il progetto deve saperli ascoltare. Amo creare ponti tra culture diverse. Un ponte non cancella le differenze, le mette in relazione. In questo dialogo, anche il mio sguardo cambia. Il progetto diventa allora un terreno di incontro, dove la sensibilità milanese può viaggiare senza perdere identità, ma anche senza chiudersi in se stessa.”

La scala cambia, il pensiero rimane

Che cosa cambia quando progetta un oggetto, una superficie o uno spazio, e che cosa rimane invariato nel suo metodo?

“La mia visione progettuale non dipende dalla scala. Affronto ogni progetto con la stessa attenzione, che si tratti di un oggetto, di una superficie, di un interno o di un’architettura. Spesso è proprio la scala architettonica a suggerirmi risposte per progetti più piccoli. Mi interessa quando un prodotto riesce a contenere un’idea di spazio, e quando uno spazio sembra nascere attorno alla presenza di un oggetto. Amo molto artisti come De Chirico, Morandi e Sironi. Hanno immaginato scenari, teatri domestici, composizioni di volumi capaci di insegnare quanto siano fondamentali la proporzione delle parti, l’armonia, il colore e la luce. Sono elementi che trascendono la scala e appartengono a ogni forma di progetto.”

Arte, natura e tecnologia dentro un’unica atmosfera

Come ha composto arte, natura e tecnologia affinché conservassero la propria identità dentro un’atmosfera coerente?

“Arte e natura sono fonti essenziali della mia ricerca. La bellezza nasce quando natura, materia e funzione diventano inseparabili. L’arte partecipa alla struttura del progetto e ne approfondisce il racconto attraverso opere create per appartenere al luogo. In questo progetto, la forza organica della pietra, del legno e della terra dialoga con le opere di Fabula e con la precisione luminosa del vetro veneziano. La tecnologia rende contemporanea questa relazione tra forma, funzione e sapere artigianale. Da questo equilibrio prende forma un’atmosfera comune”

Rinascenza: la superficie come memoria attiva

La collezione è presentata anche nella pagina ufficiale Matter. Light. Emotion. di Florim, che raccoglie la visione dei designer coinvolti nel progetto.

Con Rinascenza ha trasformato la superficie in un linguaggio culturale, rileggendo arenaria, pietra toscana, intrecci metallici e sughero attraverso tecnologie contemporanee. Come possono i materiali più avanzati custodire l’eredità architettonica italiana senza imitarla e tradurla in un progetto internazionale, durevole e responsabile?

“L’eredità che la storia ci consegna è per me una fonte inesauribile di idee e ispirazioni. Non credo ci sia davvero qualcosa da inventare in senso assoluto. Credo piuttosto che si debba osservare con occhi curiosi, attenti, capaci di riconoscere ciò che il passato continua a suggerire. La storia è un susseguirsi di rinascenze collegate tra loro. Ogni rinascenza nasce dal desiderio di contemporaneità, dalla tensione a dare nuove risposte alle esigenze del cambiamento. I materiali più avanzati possono custodire l’eredità architettonica italiana proprio quando non la imitano. Devono tradurla, non copiarla. Devono portarne avanti la memoria attraverso nuove tecnologie, nuove prestazioni, nuove responsabilità. In questo modo la superficie non è più solo rivestimento, ma diventa racconto culturale, materia viva, progetto capace di dialogare con contesti internazionali senza perdere profondità.”

Tre teatri domestici per Cersaie 2025

Per Florim a Cersaie 2025 ha costruito tre ambienti diversi come capitoli di una stessa sequenza materica. In che modo luce, proporzioni, fughe, curvature e variazioni di texture sono diventate strumenti per guidare il corpo e lo sguardo del visitatore, modificando il ritmo dell’esperienza senza perdere continuità?

“Ho pensato a tre teatri domestici, tre ambienti capaci di far dialogare materiali, finiture e colori diversi, come capitoli di una stessa narrazione. Mi interessava costruire sceneggiature differenti, quasi in senso metafisico, cercando una forma di astrazione fondata sulla proporzione, sul colore e sull’interazione tra materia e luce. Le fughe, le curvature, le variazioni di texture e i cambi di luminosità sono diventati strumenti per guidare il corpo e lo sguardo del visitatore. Volevo che l’esperienza avesse un ritmo, con passaggi, pause, intensità diverse, ma senza perdere continuità. Ogni ambiente doveva avere una propria identità e, allo stesso tempo, appartenere a un’unica sequenza.”

Arflex Japan: il progetto che guarda avanti

In chiusura, Gallizia indica il progetto che sente oggi più vicino alla propria sensibilità: la direzione artistica di Arflex Japan, prossima a essere presentata. Un incontro tra cultura italiana e abitare giapponese, costruito attraverso l’ascolto e il rispetto delle rispettive identità.

“La direzione artistica di Arflex Japan. È un progetto che presto vedrà la luce, e anche l’ombra. Mi corrisponde molto, perché nasce come ponte tra la mia sensibilità e la mia cultura italiana e lo stile dell’abitare giapponese contemporaneo, con il suo rapporto profondo con la tradizione. È un progetto che richiede ascolto, misura, rispetto e capacità di interpretazione. Non si tratta di trasferire un linguaggio da un luogo a un altro, ma di costruire un dialogo autentico tra due culture del progetto. Forse oggi lo sento particolarmente vicino perché contiene molti temi che considero centrali: la memoria, la materia, la proporzione, la luce, il silenzio, la relazione tra identità e trasformazione. È un progetto che non cerca l’effetto immediato, ma una qualità più profonda, destinata a durare.”

La contemporaneità come forma di responsabilità

Le parole di Nicola Gallizia restituiscono al design una densità che supera la riconoscibilità dello stile. Progettare significa scegliere quali legami rendere possibili: tra un corpo e una stanza, tra un materiale e la sua provenienza, tra l’identità di un luogo e lo sguardo di chi arriva da altrove. La bellezza diventa la conseguenza di qualcosa che ha trovato il proprio equilibrio.

La qualità più profonda del lavoro di Gallizia risiede nella capacità di dare forma al tempo, preservando intatta la vitalità del presente. Una stanza, una superficie o una lampada entrano nella vita di chi le abita, ne accolgono i gesti e cambiano insieme ad essa. È qui che il design raggiunge la sua espressione più compiuta: quando continua a generare significato oltre l’intenzione di chi lo ha progettato.

Nicola Gallizia è un architetto e designer italiano con studio a Milano. La sua ricerca attraversa architettura, interior, prodotto e direzione artistica, intrecciando cultura del progetto, sensibilità per la materia e qualità dell’abitare. Le collaborazioni con realtà come Molteni&C, Porro, Florim e Venini, insieme ai progetti sviluppati tra Europa e Asia, hanno consolidato una visione del design italiano profondamente contemporanea e internazionale.