La designer e coordinatrice di Fashion Revolution Italia racconta a Veloria perché la bellezza acquista valore quando comprende le persone, il pianeta e la responsabilità delle nostre scelte.

Un abito porta con sé una storia che comincia molto prima dell’atelier e della passerella. Comincia nella coltivazione o nella produzione di una fibra, nel gesto di chi fila, tesse, taglia, cuce, ricama; attraversa fabbriche, atelier, trasporti, decisioni economiche e desideri. Eppure, quando arriva davanti ai nostri occhi, gran parte di questa storia è già scomparsa. Rimane l’immagine finale: una forma seducente, separata dalle vite che l’hanno resa possibile.

Marina Spadafora lavora da anni per ricongiungere questi due estremi. Designer con esperienze per Ferragamo, Prada, Miu Miu e Marni, già direttrice creativa di Auteurs du Monde per Altromercato, docente di moda etica e coordinatrice nazionale di Fashion Revolution Italia, ha portato la responsabilità dentro il progetto, facendone una misura della sua qualità. Il suo motto, “Fashion with a Mission”, contiene una visione precisa: la moda può generare bellezza e, attraverso la bellezza, produrre sviluppo, riconoscimento e dignità.

La sua voce evita la retorica della perfezione. Parla di continuità, di alleanze, di leggi costruite un passaggio alla volta, di giovani capaci di cambiare sguardo quando comprendono le conseguenze delle proprie scelte. Soprattutto, restituisce alla sostenibilità una dimensione umana: quella delle mani, dei nomi e delle relazioni che ogni capo porta con sé.

Quando la creatività incontra una responsabilità

Il suo percorso nasce nel sistema della moda e, nel tempo, si trasforma in un impegno per cambiarlo. Quale esperienza le ha fatto comprendere che la creatività avrebbe dovuto assumere anche una responsabilità sociale?

“È nato dentro di me un forte desiderio di contribuire maggiormente al benessere della società e del pianeta. Era un desiderio che nutrivo da tempo, ma che non sapevo come mettere a frutto. Negli ultimi anni del mio marchio ho sfilato in situazioni più intime e meno costose, riuscendo a devolvere ciò che risparmiavo a enti e istituzioni che si occupavano di bambini. Proprio la nascita dei miei figli mi ha fatto capire quali fossero le mie priorità”.

La maternità, nel suo racconto, agisce come un riordinamento dei valori. Il lavoro conserva la propria centralità, ma cambia la domanda che lo orienta: accanto a ciò che un abito esprime compare ciò che produce nella vita degli altri. È un passaggio intimo con conseguenze pubbliche, perché sposta il significato del successo dalla sola affermazione individuale alla capacità di generare un beneficio condiviso.

La bellezza come prova di coerenza

Lei sostiene che etica ed estetica possano coincidere. Che cosa distingue un abito realmente responsabile da un prodotto che usa la sostenibilità soprattutto come linguaggio di comunicazione?

“Etica ed estetica devono combaciare. Creare un abito rispettando le persone e l’ambiente, ma senza rispettare la bellezza, lo rende inutile. La moda è bellezza e creatività e questi canoni vanno rispettati. I marchi che si fanno pubblicità attraverso operazioni di marketing e comunicazione fondate sulla sostenibilità si distinguono da quelli che praticano realmente un percorso responsabile perché non danno seguito a iniziative sporadiche di grande effetto mediatico. La sostenibilità è continuità”.

“La sostenibilità è continuità” è forse la frase che meglio definisce l’intera conversazione. Una campagna può costruire reputazione; la continuità rivela la cultura di un’impresa. Vive nelle scelte ripetute quando l’attenzione pubblica si sposta altrove: filiere verificabili, rapporti di lavoro dignitosi, materiali selezionati con rigore, durata, riparabilità e trasparenza. La bellezza, in questa prospettiva, diventa credibile quando il processo che la genera può sostenerne il racconto.

Anche Veloria, riflettendo sul valore del tempo nella collezione Devotion di Chloé, ha osservato come un abito contenga ore di lavoro, saperi e appartenenze. Il valore percepito cresce quando la forma permette di riconoscere quella densità, invece di nasconderla dietro la rapidità del consumo.

Rimettere le persone dentro l’immagine

Dietro ogni capo esistono competenze, condizioni di lavoro e vite che spesso scompaiono dall’immagine finale. In che modo la moda può restituire riconoscimento alle persone che rendono possibile ciò che indossiamo?

“Esistono iniziative in tutto il mondo in cui creativi e artigiani uniscono le forze per creare bellezza. I nuovi marchi di moda sostenibile sono orgogliosi di raccontare chi realizza i loro vestiti. Alle sfilate di haute couture di Parigi, Pierpaolo Piccioli ha portato con sé in passerella le persone dell’atelier che avevano contribuito alla nascita dei capi, sottolineando che una collezione di moda è uno sforzo corale e non individuale”.

Portare l’atelier in passerella modifica la gerarchia dello sguardo. Il pubblico vede ciò che lo spettacolo tende a lasciare dietro le quinte: l’autorialità distribuita di una collezione. Il designer dà direzione, mentre la forma finale nasce dall’intelligenza materiale di molte persone. Nominarle significa riconoscere che il lavoro possiede un volto e che la creatività, prima di diventare immagine, è relazione.

Nel lavoro con artigiane e comunità di diversi Paesi ha incontrato saperi tessili che custodiscono identità e memoria. Come valorizzarli rispettandone l’origine, evitando di ridurli a una riserva estetica interpretata soltanto dallo sguardo occidentale?

“Dobbiamo dare credito alle mani abili che creano i nostri vestiti. Nel caso degli artigiani, la loro maestria rivisitata dai creativi può essere apprezzata da un pubblico più ampio. L’artigiano dà solidità e qualità alla creatività del designer. L’uno si avvale dell’altro per raggiungere insieme un traguardo finale. È importante dare credito e identità a chi realizza i nostri vestiti”.

Il credito rappresenta il primo gesto, seguito da condizioni economiche e relazioni capaci di riconoscere l’autonomia culturale di chi possiede quel sapere. Una collaborazione equa richiede attribuzione, ascolto, compenso, reciprocità e possibilità di incidere sul progetto. L’artigianato conserva la propria forza quando viene incontrato come conoscenza viva, anziché trattato come repertorio di motivi disponibili.

Dal Rana Plaza alle regole europee

Il 24 aprile 2013 il crollo del Rana Plaza, in Bangladesh, causò la morte di oltre mille persone e rese visibile il costo umano nascosto dietro una parte della produzione globale. Fashion Revolution nacque in seguito a quella tragedia e trasformò una domanda elementare — “Who Made My Clothes?” — in uno strumento di pressione culturale. Chiedere chi ha fatto i nostri vestiti significa rifiutare l’anonimato come condizione ordinaria della filiera.

Nel frattempo, la responsabilità tessile è entrata anche nell’agenda europea. Nel marzo 2022 la Commissione europea ha presentato la Strategia per prodotti tessili sostenibili e circolari, seguita nel giugno 2023 dalla risoluzione del Parlamento europeo. La visione fissata per il 2030 prende forma attraverso provvedimenti dedicati alla progettazione ecocompatibile, alla responsabilità dei produttori, alla trasparenza verso i consumatori e al contrasto delle dichiarazioni ambientali ingannevoli.

Dopo oltre dieci anni, quali cambiamenti considera sostanziali e quali promesse della moda sono rimaste soprattutto dichiarazioni?

“Come Fashion Revolution abbiamo contribuito a creare la proposta che oggi è la nuova “Strategia dell’Unione europea per prodotti tessili sostenibili e circolari”. Questa serie di regole sta diventando legge nei Paesi europei e sarà implementata progressivamente verso il 2030. È un grande risultato. Oltre al lavoro di divulgazione e di educazione, dobbiamo lavorare con i governi e le istituzioni per cambiare il settore della moda una legge alla volta“.

Quanto può incidere il comportamento individuale e dove devono intervenire con maggiore forza imprese, istituzioni e regolamentazione?

“Ogni individuo può e deve fare la differenza. Soli ci sentiamo piccoli, ma quando ci uniamo in associazioni e queste, a loro volta, fanno sistema, i risultati sono evidenti”.

La responsabilità individuale acquista forza quando diventa partecipazione. Comprare meno, scegliere con attenzione, usare più a lungo e chiedere trasparenza sono gesti significativi; la trasformazione strutturale richiede anche regole, controlli e imprese disposte a rispondere delle proprie filiere. Il cittadino può orientare il mercato, mentre la legge stabilisce il terreno entro cui quel mercato opera. Le due dimensioni si rafforzano a vicenda.

Dove nasce davvero un progetto

Nel suo lavoro di docente incontra le generazioni che progetteranno la moda futura. Quali convinzioni cerca di mettere in discussione e quale idea di successo desidera trasmettere?

“I ragazzi che incontro negli atenei sono inizialmente scettici e riluttanti, ma quando comprendono l’impatto delle loro scelte quotidiane sull’ambiente e sulle persone cambiano atteggiamento. Capiscono che devono modificare le proprie abitudini e che possono davvero fare la differenza”.

Formare un designer significa educarlo a vedere ciò che il prodotto finito tende a occultare. Ogni decisione progettuale distribuisce conseguenze: la fibra scelta, il numero di passaggi, il prezzo imposto ai fornitori, la possibilità di riparare un capo, il modo in cui viene raccontato. La competenza contemporanea comprende anche questa capacità di anticipare gli effetti e assumersene la responsabilità.

Un abito capace di farci appartenere

Se dovessimo riconoscere una moda davvero trasformata, quali segni dovremmo cercare nel modo in cui gli abiti vengono immaginati, prodotti e raccontati? Quale significato umano vorrebbe che l’abito tornasse ad avere nelle nostre vite?

“Un capo di abbigliamento deve essere funzionale oppure deve emozionarti per convincerti a comprarlo. La seconda opzione è una tendenza molto importante nelle abitudini dei nuovi consumatori. L’acquisto emotivo conta sempre di più e, se un capo porta con sé valori e tradizioni raccontati bene, sei più propenso a sceglierlo. Se poi è realizzato rispettando persone e ambiente, ogni volta che lo indossi ti senti parte di una missione comune per rendere il mondo un posto migliore”.

L’emozione evocata da Spadafora possiede una responsabilità precisa. Il racconto di un capo può avvicinarci alle persone, alle tecniche e ai luoghi da cui proviene; può anche diventare una seduzione priva di sostanza. Come emerge nella riflessione di Veloria sul lusso emozionale, il desiderio acquista profondità quando nasce da un valore reale e riconoscibile, anziché sostituirlo.

Forse la moda responsabile comincia nel momento in cui un abito smette di presentarci soltanto un’immagine di noi e ci mette in relazione con vite diverse dalla nostra. Indossarlo significa allora portare sul corpo una domanda: quali mani, quali risorse, quale tempo hanno reso possibile questa bellezza? Marina Spadafora ci invita a sostare dentro quella domanda fino a trasformarla in scelta.

La rivoluzione più profonda potrebbe avere proprio questa forma: restituire un volto alle mani, una storia alla materia e una conseguenza al desiderio. Perché ogni abito racconta chi vorremmo essere, ma rivela anche il mondo che accettiamo di contribuire a costruire.